Stephen Shore (Nueva York, 1947) es uno de los fotógrafos más influyentes de la fotografía contemporánea y un pionero en la aceptación de la fotografía en color como forma de arte.
New York 27 Oct 18:00
Fue uno de los primeros fotógrafos en convertir escenas cotidianas y aparentemente banales de Estados Unidos en obras de referencia artística.
En 1971 se convirtió en el primer fotógrafo vivo en exponer individualmente en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Sus series American Surfaces y Uncommon Places redefinieron la fotografía documental y del paisaje estadounidense.
Junto con William Eggleston, contribuyó decisivamente al reconocimiento de la fotografía en color dentro de museos y galerías.
Shore fotografía gasolineras, cruces de carreteras, habitaciones de motel, restaurantes, calles y paisajes urbanos sin dramatismo aparente. Su fuerza reside en la composición rigurosa, el color y la observación detallada de la vida cotidiana.
Su obra ha influido en generaciones de fotógrafos, entre ellos Andreas Gursky, Martin Parr, Joel Sternfeld y Thomas Struth.
Como fotógrafo documental y editorial, probablemente te interese especialmente Uncommon Places: sigue siendo una referencia fundamental para entender cómo transformar escenas ordinarias en imágenes visualmente poderosas.
Platino Photo Agency, entrevista a Stephen Shore debería centrarse en su forma de observar lo cotidiano, su influencia en la fotografía documental y el valor narrativo de las imágenes aparentemente simples. Su trabajo es reconocido por series como American Surfaces y Uncommon Places, fundamentales en la consolidación de la fotografía en color como lenguaje artístico
Entrevista | Stephen Shore
La importancia de mirar lo cotidiano
Platino Photo Agency: Sus fotografías han transformado la forma en que vemos escenas aparentemente ordinarias. ¿Qué le sigue atrayendo de lo cotidiano?
Stephen Shore: Lo cotidiano es donde transcurre la vida. Siempre me ha interesado observar aquello que normalmente pasa desapercibido. La fotografía tiene la capacidad de revelar la complejidad y la riqueza visual de los momentos más comunes.
Platino Photo Agency: Su trabajo fue pionero en la aceptación de la fotografía en color dentro del mundo del arte. ¿Qué encontró en el color que el blanco y negro no le ofrecía?
Stephen Shore: El color forma parte de nuestra experiencia visual del mundo. No era un añadido estético, sino una dimensión fundamental de la realidad que quería explorar y comprender.
Platino Photo Agency: En series como American Surfaces y Uncommon Places, los viajes por carretera desempeñan un papel esencial. ¿Qué aprendió de aquellos recorridos por Estados Unidos?
Stephen Shore: Viajar me permitió observar cómo las personas construyen y habitan sus entornos. Las carreteras, los restaurantes, los moteles o las estaciones de servicio cuentan historias sobre una cultura y una época.
Platino Photo Agency: Muchas de sus imágenes transmiten una sensación de calma y distancia. ¿Busca deliberadamente esa neutralidad?
Stephen Shore: Intento que la fotografía no imponga una interpretación inmediata. Prefiero crear un espacio donde el espectador pueda observar y descubrir por sí mismo.
Platino Photo Agency:Muchas personas observan una gasolinera, una habitación de motel o un cruce de carreteras y no ven nada especial. Usted construyó una de las obras más influyentes de la fotografía contemporánea precisamente a partir de esos escenarios. ¿Qué ve donde otros no ven nada?
Stephen Shore:
Creo que la cuestión no es qué veo yo, sino cómo miro.
Vivimos rodeados de información visual. Caminamos por las calles, atravesamos ciudades, entramos en edificios y, sin embargo, gran parte de nuestra experiencia transcurre en piloto automático. Nuestro cerebro filtra constantemente aquello que considera irrelevante. La fotografía, para mí, es una forma de resistirse a ese filtrado.
Cuando observo una calle cualquiera o una mesa después de una comida, no estoy buscando un acontecimiento espectacular. Intento comprender cómo se organiza visualmente la realidad. Me interesa la relación entre los objetos, la forma en que la luz describe un espacio, cómo el tiempo queda inscrito en las superficies.
Lo extraordinario no es una excepción dentro de la vida. Lo extraordinario está contenido en la propia estructura de lo cotidiano. Lo que ocurre es que rara vez nos detenemos a observarlo con suficiente atención.
La cámara me obliga a hacerlo.
Platino Photo Agency:
Su trabajo cambió la percepción de la fotografía en color dentro del mundo del arte. En la actualidad resulta difícil imaginar que el color fuera considerado inferior al blanco y negro. ¿Qué representó para usted esa revolución?
Stephen Shore:
Nunca pensé en ello como una revolución.
Simplemente me parecía evidente que el color formaba parte de la realidad. Cuando observamos el mundo, no lo vemos en blanco y negro. Vemos una enorme complejidad cromática que influye en nuestra percepción emocional y espacial.
Durante mucho tiempo, la fotografía artística había desarrollado un lenguaje visual asociado al blanco y negro. Era un lenguaje extraordinario, pero también era una interpretación parcial de la experiencia.
El color permitía algo diferente.
No se trataba solo de añadir información visual. Permitía construir significados más complejos. Un cartel rojo en una esquina, una fachada verde, un cielo azul pálido sobre un aparcamiento vacío. Todos esos elementos generaban relaciones psicológicas y formales imposibles de reproducir de la misma manera en blanco y negro.
A medida que trabajaba comprendí que el color era una herramienta descriptiva, pero también filosófica. Hacía que las imágenes se acercaran más a la experiencia directa del mundo.
Platino Photo Agency:
Las series American Surfaces y Uncommon Places siguen considerándose fundamentales para comprender la fotografía contemporánea. Cuando realizó aquellos viajes por Estados Unidos, ¿era consciente de que estaba construyendo un retrato histórico del país?
Stephen Shore:
No.
Y creo que eso es importante.
Cuando uno intenta documentar la historia de forma consciente, corre el riesgo de ilustrar una idea preconcebida de esa historia.
Yo viajaba impulsado por la curiosidad. Fotografiaba lo que encontraba delante de mí: restaurantes, carreteras, escaparates, habitaciones de hotel, comidas, peatones o señales de tráfico.
Con el paso de los años, esas imágenes adquirieron una dimensión histórica porque el tiempo transforma la percepción de las fotografías. Las imágenes permanecen inmóviles mientras el mundo cambia a su alrededor.
Lo que en 1972 parecía una escena completamente normal, hoy contiene información sobre la arquitectura, la cultura visual, la economía, la movilidad, el consumo y los hábitos sociales de una época.
La fotografía tiene esa capacidad extraordinaria: registrar mucho más de lo que el fotógrafo cree estar registrando.
Platino Photo Agency:
En una era dominada por redes sociales e inteligencia artificial, se producen más imágenes que nunca. ¿Cree que estamos viendo más o simplemente produciendo más?
Stephen Shore:
Son dos cosas distintas.
Nunca en la historia se habían generado tantas imágenes. Pero eso no significa necesariamente que exista una mayor cultura visual.
Ver es una actividad compleja. Requiere atención, paciencia y conciencia.
La tecnología facilita la producción de imágenes, pero no garantiza la observación. Una persona puede realizar miles de fotografías sin haber observado realmente nada.
El desafío contemporáneo es precisamente recuperar la capacidad de atención.
Vivimos en una economía de la distracción. Todo compite por captar nuestra mirada durante unos pocos segundos. La fotografía profunda exige lo contrario: concentración prolongada.
Por eso considero que la observación sigue siendo una habilidad radicalmente contemporánea.
Platino Photo Agency:
Muchos fotógrafos jóvenes sienten presión por desarrollar un estilo reconocible lo antes posible. ¿Es una preocupación legítima?
Stephen Shore:
Creo que es una preocupación equivocada.
El estilo no es algo que se fabrica. Es algo que aparece como consecuencia de una forma de mirar.
Cuando un fotógrafo intenta construir un estilo antes de construir una visión, corre el riesgo de producir únicamente una estética.
Y estética y visión son cosas distintas.
La visión nace de la experiencia, de la curiosidad, de los intereses personales, de las preguntas que uno formula al mundo.
El estilo es simplemente la huella visible de ese proceso.
Por eso siempre recomiendo a los estudiantes que se preocupen menos por parecer originales y más por ser honestos respecto a aquello que realmente les interesa.
La originalidad suele llegar como una consecuencia inesperada.
Platino Photo Agency:
Después de más de cinco décadas fotografiando, ¿qué ha aprendido sobre el acto de mirar?
Stephen Shore:
He aprendido que ver es mucho más difícil de lo que parece.
Todos creemos que vemos el mundo tal como es.
Sin embargo, observamos a través de filtros culturales, emocionales, psicológicos y biográficos.
La fotografía puede convertirse en una herramienta para tomar conciencia de esos filtros.
Cuando miro una escena a través de la cámara, me pregunto constantemente qué estoy incluyendo, qué estoy excluyendo y por qué.
Con los años he llegado a comprender que cada fotografía es, en parte, un registro del mundo y, en parte, un registro de la conciencia del fotógrafo.
Por eso la fotografía sigue siendo tan fascinante para mí.
No porque describa el mundo exterior, sino porque también revela algo acerca de nuestra manera de percibirlo.
Platino Photo Agency:
Si tuviera que resumir en una sola idea lo que la fotografía le ha enseñado sobre la vida, ¿cuál sería?
Stephen Shore:
Probablemente diría que la realidad es más rica de lo que imaginamos.
La mayor parte del tiempo vivimos rodeados de hábitos, expectativas y rutinas que reducen nuestra percepción.
La fotografía me ha enseñado a ralentizarme.
A observar.
A prestar atención.
Y creo que prestar atención es una forma de respeto hacia el mundo.
Cada fotografía comienza exactamente ahí: en el instante en que decidimos mirar con verdadera profundidad.
Editorial | Stephen Shore y la revolución silenciosa de la mirada
Por Platino Photo Agency
En una época obsesionada con lo espectacular, con la inmediatez y con la necesidad constante de captar la atención, la obra de Stephen Shore continúa planteando una pregunta incómoda: ¿y si la verdadera profundidad visual no estuviera en los grandes acontecimientos, sino en aquello que atravesamos todos los días sin mirar?
La historia de la fotografía del siglo XX suele contarse a través de momentos decisivos, conflictos históricos, retratos icónicos o escenas cargadas de dramatismo. Sin embargo, la aportación de se sitúa en un Stephen Shorea dirección opuesta. Su trabajo no intenta demostrar que el mundo sea extraordinario. Intenta demostrar que nunca ha sido ordinario.
Cuando observamos sus fotografías de carreteras secundarias, habitaciones de motel, restaurantes de paso, escaparates anodinos o cruces urbanos aparentemente insignificantes, descubrimos que estamos ante algo más complejo que un documento visual. Estamos ante una reflexión sobre la percepción humana.
Lo que Shore cambió no fue únicamente la estética de la fotografía contemporánea. Cambió la forma en que entendemos la relación entre la cámara y la realidad.
La importancia de lo que parece insignificante
Desde la década de 1970, cuando emprendió sus célebres viajes por Estados Unidos, comenzó a registrar aquello que la mayoría de fotógrafos consideraban irrelevante: aparcamientos, señales de tráfico, fachadas comerciales, desayunos en cafeterías de carretera o gasolineras perdidas en el paisaje americano.
Aquellas imágenes desafiaban una larga tradición fotográfica.
Mientras gran parte de la fotografía documental buscaba acontecimientos excepcionales, Shore dirigía la cámara hacia el territorio de la experiencia cotidiana. No perseguía el instante decisivo. No buscaba héroes ni dramas evidentes. Tampoco pretendía ilustrar una tesis política o social de manera directa.
Su interés parecía mucho más radical.
Quería comprender cómo vemos.
Ese planteamiento puede parecer sencillo, pero encierra una enorme complejidad. Mirar una calle cualquiera exige más disciplina que fotografiar un acontecimiento extraordinario. El acontecimiento ya contiene una carga narrativa propia. Una calle vacía, una mesa después de una comida o una habitación de motel exigen que el fotógrafo construya significado a partir de elementos aparentemente neutros.
Ahí reside la verdadera innovación de Shore.
Nos enseñó que la fotografía no depende de la importancia del sujeto, sino de la intensidad de la observación.
El color como lenguaje y no como decoración
Cuando hoy vemos exposiciones de fotografía en color resulta difícil imaginar que durante décadas el color fue considerado por amplios sectores del mundo artístico como un lenguaje menor, asociado principalmente a la publicidad, el turismo o la fotografía comercial.
En ese contexto, la aparición de autores como Stephen Shore contribuyó decisivamente a modificar la percepción cultural del medio. Su trabajo demostró que el color podía ser tan sofisticado, conceptual y emocionalmente complejo como el blanco y negro.
Pero limitar su aportación a la cuestión técnica sería injusto.
Para Shore, el color nunca fue un efecto visual. Era una forma de conocimiento.
Sus fotografías funcionan porque entienden que nuestra relación con el mundo está mediada por la luz, la atmósfera y las relaciones cromáticas. Un cielo pálido sobre una carretera vacía, una fachada amarilla junto a un vehículo azul o la iluminación artificial de una cafetería construyen significados que no pueden separarse de la experiencia cotidiana del lugar.
El color, en la obra de Shore, no embellece la realidad.
La describe.
Una radiografía involuntaria de Estados Unidos
Las series American Surfaces y Uncommon Places son hoy consideradas referencias fundamentales para comprender la fotografía contemporánea. Sin embargo, su importancia trasciende el ámbito artístico.
Con el paso del tiempo, aquellas imágenes se han convertido en un extraordinario archivo cultural de Estados Unidos.
La arquitectura de carretera, los hábitos de consumo, el diseño urbano, la señalización comercial, la estética de los automóviles o la configuración de las pequeñas ciudades aparecen registrados con una precisión casi antropológica.
Y, sin embargo, esa lectura histórica surge décadas después.
Cuando Shore realizó esas fotografías no estaba intentando escribir una enciclopedia visual de la sociedad estadounidense. Precisamente por eso resultan tan valiosas. Carecen del énfasis propio de quien intenta representar una época. Muestran la realidad antes de que la historia le asigne significado.
La cámara registró una América cotidiana.
El tiempo la convirtió en memoria.
La lección más vigente en la era digital
Resulta paradójico que la obra de Stephen Shore sea más relevante que nunca en una época dominada por teléfonos inteligentes, redes sociales e inteligencia artificial.
Nunca se habían producido tantas imágenes.
Nunca había resultado tan fácil fotografiar.
Y, sin embargo, rara vez la abundancia ha significado profundidad.
La cultura visual contemporánea premia la velocidad. Las imágenes son consumidas en segundos y olvidadas en minutos. El algoritmo favorece aquello que sorprende, impacta o provoca una reacción inmediata.
La fotografía de Shore propone exactamente lo contrario.
Exige lentitud.
Exige permanencia.
Exige contemplación.
Ante sus imágenes sucede algo poco frecuente: cuanto más tiempo se observan, más información revelan. La fotografía deja de ser una superficie para convertirse en una experiencia intelectual.
En una sociedad saturada de estímulos, esa capacidad para sostener la atención se ha convertido casi en un acto de resistencia cultural.
El legado de una nueva forma de mirar
La influencia de Stephen Shore sobre generaciones posteriores de fotógrafos es ampliamente reconocida. Autores de distintas corrientes han encontrado en su obra una confirmación de que la fotografía puede abordar la complejidad del mundo sin recurrir al espectáculo ni a la dramatización.
Pero quizá su legado más importante no sea estético.
Es filosófico.
Shore nos enseñó que la cámara no sirve únicamente para registrar acontecimientos. También sirve para entrenar la conciencia.
Sus fotografías nos recuerdan que vemos mucho menos de lo que creemos. Que la realidad posee una densidad inagotable. Que la belleza puede encontrarse en una intersección anónima, en una ventana iluminada o en una mesa vacía después del desayuno.
En definitiva, nos enseñó que la fotografía no consiste en viajar más lejos, buscar sujetos más exóticos o perseguir momentos más extraordinarios.
Consiste en aprender a mirar.
Y en una época en la que todo parece diseñado para distraernos, esa puede ser una de las lecciones más importantes que un fotógrafo puede ofrecer al mundo.
Platino Photo Agency
La fotografía no transforma la realidad. Transforma nuestra capacidad de verla.
Con motivo de la inauguración de la retrospectiva Stephen Shore – Vehicular y Vernacular, el 1 de junio, la Fundación Henri Cartier-Bresson tuvo el honor de recibir al fotógrafo y de organizar, en el corazón de la exposición, un encuentro público entre este y Quentin Bajac, director del Jeu de Paume.
